YOSOYTUERESELESELLA

Sin embargo, al momento de decidir qué carrera estudiar, jamás consideré convertir la música en una profesión. Fue en Artes Visuales donde me encontré con una clase que dictaba Clemencia Poveda y en la cual descubrí una opción de vida en la fotografía. Ella nos abrió los ojos a una herramienta poderosa que todos teníamos a la mano y podíamos explotar. Y no solamente de una manera técnica —con la cual aprenderíamos a manipular cámaras, exposímetros y ampliadoras—, sino como una herramienta que podría ampliar nuestras expectativas de vida: potencializar nuestra existencia.

En ese curso se hizo mucho énfasis en la idea de lograr conectar la cámara a nosotros mismos, es decir, de tener siempre en cuenta que más que operadores de cámaras éramos una extensión de ellas; por ende, las imágenes que plasmáramos pertenecían a nosotros mismos y deberían traducirnos. Ejercicios como trabajar poniéndonos en los zapatos de artistas como Nan Goldin, Arthur Tress, Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman y Diane Arbus, entre otros, funcionaban a manera de pretexto y plataforma para buscar e indagar sobre nosotros mismos.

El común denominador de estos artistas es que su obra estaba ligada estrechamente a sus vidas; antes de mostrarnos las imágenes, Clemencia hacía unas introducciones supremamente minuciosas en las que hablaba de la vida de estos personajes como si fueran héroes, con una admiración y detalle que te hacía amarlos, aun sin haber visto sus fotografías. Después, todos teníamos que producir un trabajo basado en la forma de trabajar del artista de la semana, articulando sus prácticas a nuestras propias vidas. Independientemente de que el resultado fuera o no acertado, cada experiencia dejaba huella en quienes tomábamos la clase, una marca que en algunos estudiantes, como yo, fue definitiva.

Haber tenido la oportunidad de experimentar con el autorretrato fue una revelación para mí. No tener que pedirle a nadie que hiciera nada por mí, sino pararme frente a la cámara a hacerlo por mi cuenta 

representaba un ahorro de energía que solía perder en dirigir modelos y capturar momentos mientras luchaba contra sus miedos, egos e inseguridades.

Tras la realización de 1 X 2 en 10 (1998), supe que jamás querría estar únicamente detrás de la cámara sino también en frente. Había encontrado entonces un lenguaje con el cual estaba dispuesto a enfrentar el nuevo mundo al que ahora pertenecía. También había encontrado un aliado en mí mismo.

En esta serie me retraté como diez tipos de parejas, incluyendo una de hombres, de mujeres y de travestis. Me estaba expresando sin saberlo. Quería referirme a esos baúles en los que se guardan disfraces en las casas, y al mismo tiempo quería explorar la técnica de doble exposición. El resultado fue una revelación para mí, y desde ese momento supe que en adelante solamente me iba a dedicar a hacer autorretratos.

Desde unos años atrás tenía como hobby hacerme fotos de documento en un Foto Japón que quedaba cerca a mi casa; esta actividad se volvió cada vez más frecuente hasta que en julio del 2000 comencé a hacerlo a diario. Sin darme cuenta estaba haciendo lo que en el futuro sería la columna vertebral y el eje de mi trabajo y de mi vida: acabo de cumplir cinco mil días de hacerme una foto de documento diaria. Ahora bien, el hecho de coleccionar estas fotografías de cabina ha tenido un impacto evidente en el resto de mi trabajo. Por lo general, me he enfocado en hacer retratos de plano cerrado en los que poso frente a la cámara sin ninguna expresión, como lo exigen las normas de las fotografías de identificación

Paralelamente, he realizado diferentes series de fotografías en las que utilizando mi cuerpo y alterando mi apariencia me he dedicado a personificar a otros. Todos los personajes que he caracterizado los he visto alguna vez en la vida; paso los días mirando a la gente, almacenándola en mi base de datos de posibles yos para encarnar.

Después de quince años de trabajar sobre lo mismo, mirando atrás veo que lo que tengo es una colección de yos. Suelo ser muy repetitivo y monotemático y me encanta hacer lo mismo una y otra vez. En general, toda mi vida he sido un coleccionista empedernido, casi acumulador. Por eso me parece interesante ver cómo este aspecto de mi vida cotidiana se ve reflejado en mi trabajo, que también es a primera vista repetitivo y monotemático. Caer en cuenta de esto solamente me da ganas de seguir haciendo más de lo mismo.

El año pasado hice la serie Peloquitas, que consistía en sesenta fotografías con diferentes pelucas, un registro de mi colección personal. Quise que mi cara pareciera una de esas cabezas de icopor en las que se exhiben las pelucas. No fue sino hasta que terminé la serie cuando me percaté de que el resultado era prácticamente

una recreación de mi serie MUTILady, del 2003, para la cual me dejé crecer el pelo durante cinco años y lo fui cortando en diferentes pasos hasta quedar calvo, esta vez con los músculos del cuerpo pintados con aerógrafo sobre mi cuerpo. Esto para mí fue impresionante, pues era como mirarme a un espejo y reconocerme. También fue una experiencia reconfortante; me dio una sensación de acierto y tranquilidad que me hizo sentir «como en casa». En últimas, fue una especie de afirmación de que estoy haciendo lo que tengo que hacer.

Aunque la primera impresión de muchos al enfrentarse a mi obra es que resulta completamente autorreferencial y autobiográfica, esto no es necesariamente así. Algo que siempre me ha llamado la atención es ver cómo he sido segregado siempre del mundo del arte por hacer autorretratos… qué digo por hacer autorretratos: ¡por ser marica! Pero en realidad mi obra no se centra en mi vida ni en ser gay. Como cualquier artista, es lógico que mi trabajo tenga puntos de cruce con mi vida, pero no necesariamente de una manera mayor que cualquier otro artista. Finalmente, es el artista quien ejecuta su obra y no hay opción de que estas dos situaciones se desliguen. Pienso que somos simples operadores que se encargan de desarrollar las ideas que nos llegan; cada artista tiene una obsesión, la mía es el sujeto y su identidad, por eso he tomado como material de estudio al sujeto más cercano: yo mismo.

Curiosamente solo he realizado en dos ocasiones series que abordan temáticas gay: ojo de Loca, 2006 y boYOs, 2009. La primera consiste en veinticinco autorretratos de los diferentes tipos de homosexuales que podrían identificarse dentro de una sociedad. Los personajes están posando frente a una bandera gay: panadero, fotógrafo, cantante, músico, médico y hasta presidente, entre otros.

_{Juan Pablo Echeverri. Izquierda: ojo de Loca, 2006, 25 fotografías, 40 x 40 cm c/u. Derecha: boYOs, 2009, 25 fotografías, 30 x 30 x 30 cm c/u.}

En esta serie me interesaba señalar sujetos que, aparte de tener en común el hecho de ser gais, todos están representando independientemente a personas del común con las que nos topamos a diario: el deportista, el cura, el estudiante, etc. De esta forma quería hacer referencia a cómo podemos encontrar gais en todos lados. Suena obvio, pero muchas veces la gente al discriminar cree que los gais son como extraterrestres y que no están cerca de ellos; bueno esto era aún peor en el 2006, pues hoy en día ya los vemos en telenovelas y realities, «sensibilizándonos» frente a la existencia de homosexuales.

 _{Juan Pablo Echeverri, fotofijas de los videos: dóndestá _a_ie_, 2012, Madrid; Catalana del Rey, 2013, Barcelona; Lezangeles, 2012, Los Ángeles; Roam, 2013, Roma; Monjarabiosa, 2012, Berlín; Gay Gone Wild, 2013, Amazonas; Sexual Forestz, 2011, Londres; you keep ME hanging on, 2010, Barcelona; Papi Soy Gay '10, 2010, Nueva York.}